History of the Roland V-Accordion

 Around  the mid 19th century,  an invention consisting of bellows and a free-reed mechanism appeared in central Europe. A completely new musical  instrument was born: the accordion. This new instrument deeply influenced the popular  music of the time and brought a large number of people closer to the world of music. To meet the many different demands of the numerous local musicians, accordions became more and more diverse through the decades, never resulting in a standardized musical  instrument. This meant that it was practically impossible to make an electronic version  of the accordion, as the instrument would need to consist of a very complicated mechanism in a cabinet that was still compact  and very easy to carry around.

In 1967 Ikutaro Kakehashi, the founder  of Roland Corporation, a leading manufacturer of electronic musical  instruments, travelled  to Italy and had the chance to meet some accordion craftsmen in the city of Castelfidardo in Le Marche, known worldwide as the birthplace of the accordion manufacturing industry.

He was so fascinated by this instrument that he bought  two accordions to bring home and started to cherish  the dream of creating  an electronic accordion.

This dream was also supported by Francesco  Rauchi and Luigi Bruti in Roland Europe S.p.A., members of the Roland Corporation group located in Acquaviva Picena, in the Marche region.

Thanks to the advanced results  of their state-of-the-art research and development processes, Roland finally  achieved another milestone in the history of digital  musical  instruments: the V- Accordion, or «Virtual Accordion», equipped  with a powerful digital  modelling technology.

(La prematura scomparsa di Francesco Rauchi non gli ha permesso di toccare con mano quel sogno diventato realtà, ed in sua memoria i modelli della linea V-Accordion sono stati identificati con la sigla «FR».). Texto sin traducir…

The V-Accordion blends the Italian tradition of musical  culture with Japanese cutting edge digital  technology, combining Le Marche’s traditional accordion craftsmanship with contemporary electronic musical  applications.

To reach this goal Roland established close relationships with the craftsmen and technicians of the accordion manufacturing companies in Castelfidardo and its surrounding area.

Roland was able to perfectly reproduce the accordion sounds  by using Roland’s  unique digital  technology, «Physical Behaviour Modelling«, which does not alter the way essential  components, such as the bellows, are used. Air is still pumped by the bellows in a totally  authentic way, but activates  a high-definition pressure  sensor, instead of reeds. Roland thus designed  an innovative accordion without disrupting either its traditional nature or the musical  technique required  to play it.

As mentioned above, the accordion is not a standardized musical instrument; there are different types of accordion for different musical  genres and also for different countries. The V- Accordion can faithfully reproduce all the various  models of traditional accordion, including their different tuning  features. Consequently, you can change a V-Accordion immediately from an Italian accordion into a French musette, a jazz accordion or a bandoneon. This means that an accordionist who plays different musical  genres or wants to explore new sound frontiers doesn’t  need several acoustic accordions – just one V- Accordion.

Thanks to its remarkable  flexibility, the V-Accordion can also be configured in many different ways and also provides easy access to various  free-bass systems  from some of the most expensive  and heavy accordions.

While developing the V-Accordion, Roland’s  engineers  thought: «Why not utilise  the bellows to play other sounds  often available in electronic instruments such as the Violin, Trumpet, or Sax?» That’s why, as well as accordion sounds,  the V-Accordion has several orchestral tones that the accordionist can play with unprecedented expressiveness, thanks to the control that the bellows have over the sound of these tones.

As it is a digital  instrument, the V-Accordion is naturally open to the world of MIDI, allowing it to be connected to other electronic instruments or to a computer for sharing  sounds  and data. Many accordionists had long been dreaming  of this possibility, but it had previously been extremely  complicated and expensive  to add a MIDI interface  to an acoustic accordion.

Indeed, it is not the only accordionists’ dreams that have been fulfilled by the V-Accordion: because it can be listened  to using headphones, it is possible to study or practise  without disturbing people nearby. There is also no need for continuous maintenance, such as tuning  the reeds.

Moreover, thanks to its audio output  sockets,  the V-Accordion can be easily connected to an external amplification system without timbre  alteration or risks of unwanted  «feedback» effects, so common  when an acoustic accordion is amplified using microphones, especially for accordionists playing  on stage.

When all is said and done, the V-Accordion is not intended  to replace the traditional accordion but to complement it and expand its sound potential, while keeping expressive features unchanged and without losing  that particular feeling you get when playing  and holding a true musical  instrument in your arms.

Storia Della Fisarmonica e Della V-Accordion

Intorno alla metà del XIX secolo in Europa centrale comparve un’ invenzione composta da un mantice e da un meccanismo ad ancia libera. Nacque così uno strumento del tutto nuovo: la fisarmonica. Lo strumento ebbe un grande impatto nell’ambito della musica popolare dell’epoca e contribuì ad avvicinare alla musica un gran numero di persone. La fisarmonica, divenuta col tempo sempre più versatile per venire incontro alle esigenze locali di ciascun paese, non è stata mai uno strumento standardizzato. Data la complessità del meccanismo e la facilità di trasporto della fisarmonica acustica, è sembrato per molto tempo impossibile realizzarne un equivalente elettronico.

Nel 1967, durante un viaggio in Italia,  Ikutaro Kakehashi, fondatore della Roland Corporation, azienda leader nel settore degli strumenti musicali elettronici, ebbe modo di incontrare alcuni artigiani del settore operanti nella zona di Castelfidardo, e rimase affascinato da questo strumento, tanto da portarsene a casa due, covando per lungo tempo la speranza di poter realizzare una fisarmonica elettronica.

Speranza sostenuta successivamente anche da Francesco Rauchi e Luigi Bruti di Roland Europe, realtà del gruppo Roland in Europa, che ha sede nelle Marche, ad Acquaviva Picena.

A seguito dei grandi progressi ottenuti con la tecnologia digitale, Roland ha introdotto un’altra pietra miliare nella storia degli strumenti musicali digitali: la V-Accordion, ovvero la «Fisarmonica Virtuale» uno strumento dotato di una potente tecnologia di modellazione digitale.

La prematura scomparsa di Francesco Rauchi non gli ha permesso di toccare con mano quel sogno diventato realtà, ed in sua memoria i modelli della linea V-Accordion sono stati identificati con la sigla «FR».

La V-Accordion è il frutto della sinergia fra fantasia italiana e tecnologia giapponese, fra la tradizione marchigiana nel settore delle fisarmoniche e l’elettronica applicata agli strumenti musicali.

Per raggiungere questo obiettivo la Roland, ha instaurato una stretta collaborazione con gli artigiani ed i tecnici delle aziende produttrici di fisarmoniche della zona di Castelfidardo.

Si è così riuscito a riprodurre perfettamente le sonorità della fisarmonica mediante avanzate tecniche digitali di «modellazione fisica del suono«, mantenendo comunque inalterato l’utilizzo di alcuni componenti essenziali quali il mantice, la cui aria opportunamente convogliata non eccita più le ance ma un sensibilissimo sensore di pressione ad alta definizione.

La Roland ha realizzato una fisarmonica innovativa senza stravolgere la natura tradizionale dello strumento né la tecnica usata per poterla suonare.

La V-Accordion può riprodurre fedelmente i vari modelli di fisarmoniche tradizionali, incluse le loro diverse caratteristiche di accordatura. Di conseguenza, può tramutarsi immediatamente in una fisarmonica italiana, in una musette francese, in fisarmonica jazz o in un bandoneon.

Questo strumento non intende sostituire la fisarmonica tradizionale, ma essere complementare ad essa, ampliandone gli orizzonti sonori, pur mantenendone le caratteristiche di espressività e quel particolare feeling di uno strumento che si suona «abbracciandolo».

fuente: accordions.com

más información: Roland/Dallape

RCSMM: Organología: ficha de trabajo: Grabación: Function Switch

Asignatura: Fundamentos Organológicos, Históricos y Acústicos del acordeón

16. Edición de sonidos (sección Avanzada): Parámetros de 10. System:

10.6 Function Switch

Utilización de Function Switch en una  Grabación:

Este parámetro permite usar la columna de botones de bajos más próxima al logotipo del FR-7x para seleccionar o controlar las funciones deseadas. Si este parámetro está definido como “On”, los botones en cuestión no se pueden usar para tocar notas ni acordes.

3

Inicialmente, los botones tendrán los siguientes ajustes de fábrica (puede cambiarlos con el parámetro descrito abajo):

Botón/Función

1: Pitch Down

2: Modulación

3: Sustain

4: Brake Off

5: Brake On

6: Rotary Slow/Fast

10.7 Function Switches Edit

Los parámetros de esta página permiten asignar las funciones deseadas a los botones de bajos que se pueden usar como conmutadores de función.

Recuerde que estas funciones solo se pueden usar si el parámetro “Function Switch” (ver abajo) está definido como “On”.

  1. Pulse el dial [DATA/ENTER] para seleccionar el parámetro “SWITCH”, y después gire el dial [DATA/ENTER] para seleccionar el botón de bajos cuya función desee definir.
  2. Pulse de nuevo el dial [DATA/ENTER] para seleccionar el parámetro “ASSIGN”, y después gire el dial [DATA/ENTER] para seleccionar una de las funciones disponibles.

Las funciones asignables son las mismas que para los conmutadores de pedal del FBC-7 suministrado. Consulte la página 87.

Grabación

RCSMM: Interpretación: El Análisis como herramienta de estudio

El Análisis como herramienta de estudio
(en preparación)

tiempo 3 (Fughetta a tres voces) de la Mini-Suite Nº 4 (Op. 42 Nº 4) de Gerhard Wuensch (1925/2007)
(Copyright 1970 by Peter MCKee Music Co. Limited (Waterloo)

ACLARACIONES

Situación contextual:

Planteado a modo de reflexión/sugerencia, este esquema pedagógico, trata sobre la función y necesidad del Análisis del texto musical (Obra, en formato papel…, con la que se enfrenta un alumno) desde la perspectiva del estudio interpretativo, estudio dirigido hacia el Objetivo de la Interpretación.

Se tienen en cuenta diferencias de concepción (en lo relativo a la función) con otros tipos de análisis, menos orientados al objetivo interpretativo: formales, estéticos, históricos, estilístico, etc.

El trabajo se plantea condicionado tanto por un marco de referencia músical (conocimientos, valores, concepciones, etc.) (imagen superior), como por el contexto académico (objetivos pedagógicos, condicionamientos curriculares, etc.) del tipo de alumnado al que va dirigido (imagen inferior):

Tanto los conceptos o frases en cursiva, como los finales suspensivos (…) indican una mayor necesidad de reflexión y discusión de los temas en cuestión…

OBJETIVOS

Procesamiento dirigido básicamente a la interpretación (comprensiva y expresiva):

  • Conceptual (de entrada)

  • Expresivo/motor (de salida)

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(ver esquema)

ANÁLISIS DE DIFICULTADES/PROBLEMA

  • de entrada: decodificación gráfica (notación): procesos visuales (lectura), conceptuales, comprensivos, interpretativos, etc.
  • de salida:    expresión motora: procesos motores, reagrupamientos, automatismos, integración motora (sincronización/secuenciación motora), etc.

PASOS (ejemplo metodológico)

  1. Lectura comprensivainterpretación auditiva… (ver OBSERVACIONES: punto 9) a partir de los indicadores generales de contexto:
    conceptuales (TítuloFormaestructura, etc.),
    temporales (Tempo/Métrica/Rítmica/etc.),
    lenguajes (modalidad/tonalidad/armadura…/etc),
    texturas (homofonía/polifonía/distribución de voces/manuales…/etc.),
    tímbricos (registración/relación de alturas…/etc.), etc.
    Se esboza una imagen auditiva (pre/interpretativa –atímbrica) del discurso sonoro y estructura de ideas a partir de la activación de los esquemas de conocimiento (cuando los hay…) más apropiados, que permitan contextualizar los contenidos de estudio (ejemplo: Fughetta a 3 voces -2+1…-, MI/MIII: modalidad free/bass,Tempo: negra/100, Lenguaje: no tonal -sin armadura-, Métrica: cuaternaria…, Estilo interpretativo: matización expresiva, articulatoria y dinámica -carácter pianístico…-, etc.).

  2. Análisis general y estructura temporal de ideas: procesamiento secuencial arriba/abajo (partiendo de los datos contextualizados): de lo general a lo particular: descomposición estructural, análisis y relación de ideas (movimiento, dirección, función, sentido, etc.), etc.

  3. Análisis y clasificación de dificultades/problema: comprensivas, rítmicas, motoras, expresivas, etc. En función de las capacidades/limitaciones cognitivas particulares (componente subjetivo…): conocimientos previos (experiencia en la resolución de problemas similares, disposición de estrategias, recursos, etc.), memoria, control de la atención (meta/atención), etc.

  4. Selección de estrategias de estudio en función del tipo de dificultades y problemas que se planteen: visuales (de lectura…), auditivas, comprensivas, rítmicas, motoras, etc. Cada Obra puede condicionar unas estrategias particulares de trabajo, lo que no impide una generalización de principios ni una posible transferencia de éstos entre distintas partes de la misma Obra (Suite…) u otras Obras similares (del mismo autor, estilo, lenguaje, etc.).

  5. Distribución, proporción y secuenciación del estudio (tiempo/estrategia) en función del tipo y complejidades interpretativas: equilibrio entre los niveles de dificultades comprensivas (sentido de las ideas) y expresivas (motoras), organización del estudio por contenidos (no por posición…), etc.

  6. Comprensión previa del objeto de estudio (qué, por/para qué, cómo, cuando, etc.). Práctica (contextual y comprensiva), en función de la estructura de contenidos y definición de las ideas a estudiar (comienzo y final, contorno, dirección, etc.), reagrupamientos (dia/sincrónicos) y automatismos (visuales, comprensivos, motores, etc.), etc.

  7. Montaje y ensamblaje temporal (dia/sincrónico) de bloques de ideas: recomposición (motivos, frases, temas, secciones, etc.)…

  8. Evaluación y ajuste del proceso (no confundir con corrección… (ver OBSERVACIONES: punto 10).

OBSERVACIONES

  1. La dificultad no suele estar en las partes sino en la combinación e interacción de éstas (de poco sirve trabajar el estudio de una idea si no se tiene en cuenta su contexto dia/sincrónico, ni a nivel comprensivo ni, menos, a nivel motor…): a mayor densidad (y variedad) de información, mayor consumo de atención (mayor fragmentación y mayor necesidad de reagrupamiento…), lo que implica una reducción del foco atencional…, con el fin de procesar y manejar en cada momento la información de acuerdo con las limitaciones de la memoria de trabajo… Entre otros, uno de los síntomas de esta fragmentación no contextualizada suele reflejarse, dentro del plano de la expresión motora, en la calidad de la digitación (y manuación…): una digitación que no tenga en cuenta, entre otros parámetros, la estructura, contorno, o dirección melódica de una frase, suele ser más fragmentada, desestructurada y compleja (implicando más consumo atencional…), que una que sí tenga en cuenta tales factores.

  2. La expresión se plantea en función de la interpretación, y ésta en función del contenido y estructura musicales (explícito y implícito) de la Obra/partitura… (no confundir la relación de conceptos…), de la misma manera que la técnica necesaria para tal expresión (así como la memorización…), es una consecuencia inevitable (función…) del grado (profundidad…) y calidad (elaboración…) del estudio (activointencionalconscientecomprensivo, etc.), y no un objetivo en sí mismos…

  3. Problema del conocimiento previo mínimo necesario (repertorio conceptual/motor): estilo: estructura: fuga (fughetta), lenguaje: no tonal…, dificultades cognitivas: memoria: recuerdo/reconocimiento (disponibilidad/accesibilidad…), dificultades motoras: independencia articulatoria: manos/brazo (izquierdo…)/dedos (por ejemplo: 5 dedos distribuyendo una textura polifónica de dos voces en MI…), etc. El desajuste entre el conocimiento disponible y el exigible (tanto por la Obra como por su nivel interpreetativo) suelen convertir los fines en medios: el objetivo interpretativo de la obra en sí se convierte en un medio de aprendizaje, transformando la Obra en un Estudio, lo que en principio nada tiene de malo, más bien al contrario (siempre que tanto profesor como alumno (como el Sistema… -contexto académico-) sean conscientes y asuman el hecho…)

  4. Dificultades de procesamiento (en el ejemplo al caso: textura polifónica de carácter muy expresivo…): sucesión de múltiples pequeños cambios: estrategia: descomposición en pequeños motivos controlables/manejables/audibles/significativos…, con el fin de reagruparlos en unidades mayores: los problemas para crear esquemas motores suelen venir de limitaciones en el control de la atención (activa, intencional y consciente… ) y en la capacidad de dotar de significado (esquema musical) al movimiento (esquema motor).

  5. Problemas en el control (organización) del zigzagueo (dia/sincrónico) de la atención, derivados de la falta de una estructura clara y definida del contenido a estudiar: movimiento y enfoque de la atención a través de los distintos niveles de planos: auditivo, motor, estructural, expresivo, etc. Si bien es algo complejo entender en profundidad el funcionamiento de la atención (cuando se aplica de manera intencional y consciente en el estudio…), puede resultar útil para el alumno empezar a pensar en ella como una capacidad (limitada…) que le permite descartar la información no relevante para el objetivo de la tarea que realiza, concentrándose en los datos importantes…, concepción que le puede facilitar el desarrollo de la capacidad para discriminar y seleccionar (simplificando y reduciendo…) la información con la que tendrá que trabajar…

  6. Necesidad de una redefinición de los conceptos: recuerdo/reconocimiento (accesible/disponible) aplicados al proceso de estudio instrumentalprincipio de la codificación específica de Tulving y Thomson, niveles de procesamiento de Craik y Lockhart, efecto de la práctica de la recuperación de Baddeley (138), etc.

  7. Diferencia entre interpretar (o estudiar) desde el propio conocimiento (interpretación interiordirecta, desde el formato mental…, sin componente visual externo ) o, a través de la partitura (interpretación compartidaindirecta, con componente visual…). Problemas: distinta distribución de la atención, concentración, expresión, asimilación, consolidación del conocimiento en la memoria, etc. La interpretación interior libera recursos atencionales imprescindibles en situaciones de exigencia atencional externa: interpretación en conjunto (liberación de atención visual…), seguimiento de un Tempo externo, audición externa (paralela y simultánea a la interna…) en situaciones donde es importante oír a otros, etc. En principio, el papel de la partitura debería ser simplemente de memoria externa de uso sólo en el caso de olvido o distorsión de la información contenida y aprendida en ella, sin embargo algunas concepciones pedagógicos académicas tienden a convertirla más en un obstáculo que en una ayuda, al hacerla interferir con la memoria interna

  8. Problemas en la comprensión gráfica y condicionamientos del procesamiento visual frente al auditivo: interferencia visual/auditiva… (ver ejemplo…)

  9. Cuando la complejidad o dificultad de oír (escuchar…) es elevada, se echa mano del instrumento como instrumento de ayuda, a modo de herramienta, como medio, (no como fin…), con el consecuente riesgo (pedagógico…), de limitar el desarrollo de la capacidad de escucha interior

  10. Diferencia entre corrección y ajuste: la corrección implica un error (generalmente de carácter inconsciente…) en el proceso de estudio, mientras que el ajuste se entiende como un acercamiento intencionado, progresivo y consciente desde un esbozo a una definición de cada uno de los parámetros que configuran una idea musical. La activación y definición gradual de ésta (audición interna) siempre precede (feed-before motor) a su realización (sonorización/audición externa/retroalimentación…): se piensa/se toca, se reagrupa/se toca, se reduce su tiempo de activación/se toca, etc., de manera que lo que se repite es la práctica de su relación (retroalimentaciónpensar/tocar), lo que permite que la elaboración de los esquemas motores siempre se ajusten al grado de definición previo de la idea, resultando la técnica de realización (ejecución…) una consecuencia directa (e inevitable…) de tal ajuste.

  11. Necesidad de una mejor comprensión del concepto de zigzagueo y enfoque (zoom…) de la atención en el transcurso interpretativo: conducción

  12. Tocar es pensar: proceso activo de búsqueda de sentido y coherencia (interpretación…) en las ideas representadas gráficamente en la partitura (o en la memoria…), con el fin de comunicar/expresar tales ideas, de la misma manera simple con que se recita un verso o se cuenta un chiste…

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